Bienvenidos a Axolotl: Diseño para la Convervación, una exhibición de piezas únicas de 34 diseñadores mexicanos de renombre, bajo el tema ‘Ajolote’.
Todas las obras en la exposición están en venta exclusivamente en Mumedi. Un porcentaje de cada venta será donado al Laboratorio de Restauración Ecológica, parte del Instituto de Biología de la UNAM, y su campaña ‘AdoptAxolotl’.
El dinero recaudado de este programa de adopción se destina a ayudar el trabajo de rehabilitación del hábitat del axolote, la conservación de la vida silvestre local y al fortalecimiento de las prácticas agrícolas chinamperas.
Para comprar uno de estos diseños únicos, contáctanos: info@mumedi.mx o por WhatsApp.
La Perfección de lo Imperfecto
Técnica: Mixta (acrílicos, aerosol y prismacolor).
Medidas: 70 x 90 cm
Precio (IVA incluido): $29,000 MXN
En la insistencia de que todo salga bien, aparece la frustración y el cansancio de querer que todo sea perfecto. Volver al centro, una y otra vez, es necesario.
Regenerar y repetir no es debilidad, es fuerza.
Este proceso puede suceder muchas veces a lo largo de la vida sin debilitarnos, como los ajolotes cuando pierden una extremidad.
Honrar el transcurso natural de la vida misma es acercarse a lo divino.
Labreens es artista visual, diseñadora gráfica, ilustradora y muralista mexicana. Su trabajo parte del dibujo a mano alzada y se mueve entre muros, papel y medios digitales.
Interesada por la creación de imágenes que conecten con lo cotidiano, con la naturaleza y con las emociones humanas, usando un lenguaje visual orgánico, colores vivos y formas que a veces se sienten un poco imperfectas, pero muy vivas.
Además de desarrollar proyectos de ilustración y muralismo para distintos espacios y clientes, también comparte su proceso a través de creación de contenido, experimentación musical, grafiti y la docencia donde explora el dibujo y la creatividad como mero lenguaje de expresión.
En 2026 sigue expandiendo su práctica entre la ilustración, el mural, así como exploraciones en animación cuadro por cuadro, siempre regresando al dibujo como punto de partida.
Técnica: Acrílico y lápiz sobre lienzo y papel
Medidas: 100 x 50 cm
Precio (IVA incluido): $13,920 MXN
La pieza retoma relatos del México antiguo en los que un dios se transforma para habitar entre los hombres, diluyendo los límites entre lo divino y lo terrenal.
Mauricio Burgos es diseñador gráfico enfocado en el desarrollo web, con experiencia en distintos mercados mediante la planeación estratégica y el uso óptimo de recursos.
Paralelamente, desarrolla una práctica en caligrafía, disciplina que vincula el cuerpo, la mente y el trazo. Como amante de las letras, imparte cursos y promueve la exploración del gesto y la expresión personal.
En su obra, experimenta con distintos materiales y técnicas como la acuarela, buscando una síntesis visual a través del alto contraste y la economía de elementos.
Técnica: Acrílico y lápiz sobre lienzo y papel
Medidas: 100 x 50 cm
Precio (IVA incluido): $104,400 MXN
Hay algo en el ajolote que también define a nuestra ciudad: una identidad que se resiste a desaparecer; se reinventa para sobrevivir. Cada rostro, forma y color compone el retrato de esa criatura viva que llamamos México.
Adan Days / Atrapaluz es un ilustrador, animador y narrador visual nacido en 1990 en la Ciudad de México. Dibuja desde que tiene uso de razón, y profesionalmente desde hace más de 10 años, en los que se ha especializado principalmente en proyectos deportivos, desde ilustración y animación hasta muralismo. Es gran fanático de los deportes, el cine y la música, temas que influyen de manera directa y constante en su obra.
Ha colaborado con agencias deportivas como juanfutbol, juanbeisbol, fridapop y marcas como Adidas, Amazon, Adobe, HBO Max, NFL, Cardinals, Raiders, Kings League, entre otras.
En 2024 creó y desarrolló la campaña y primera colección de Día de Muertos para la NFL titulada “Hasta La Muerte” de la mano de NFL México, que tuvo su segunda edición y colección en 2025. A la par desarrolló la campaña “Corazón Cardenal” para los Arizona Cardinals, quienes lo invitaron a diseñar dos murales que ahora se exhiben dentro del Statefarm Stadium en Arizona.
Vive en CDMX con su novia y sus tres perros.
Técnica: Acuarela y acrílico sobre papel de algodón
Medidas: 20 × 25 cm
Precio (IVA incluido): $11,600 MXN (VENDIDO)
Esta obra surge de una reflexión sobre el tránsito entre la vida y aquello que la trasciende; a través del flujo de los ajolotes, la composición evoca un estado de transformación suspendido entre lo orgánico y lo espiritual, donde los cuerpos parecen elevarse dentro de una corriente luminosa hacia un resplandor dorado que alude a la divinidad, la permanencia y la transmutación, proponiendo así una visión del umbral no como ruptura, sino como continuidad, en un espacio donde la materia, la luz y la memoria convergen.
Daniel Alarcón Jiménez es diseñador de comunicación gráfica por la UAM-Xochimilco, especialista en diseño interactivo y digital. Ha colaborado en proyectos como Unmask My City del GCCA, Detona en Campus Party, y materiales didácticos para El Poder del Consumidor, Pensionissste y Restore the Earth Foundation. Su práctica creativa abarca la ilustración digital en los ámbitos médico y del tatuaje, así como ilustraciones para el movimiento Laudato Si. Actualmente desarrolla materiales para el Global Catholic Climate Movement y ha incursionado en la ilustración analógica como postura crítica frente al arte generado por inteligencias artificiales, reivindicando el valor y la presencia de la mano humana en la creación artística.
Técnica: Acuarela y acrílico sobre papel de algodón
Medidas: 60 × 40 cm
Precio (IVA incluido): $17,400 MXN
La obra toma como figura central al ajolote (Ambystoma mexicanum), animal endémico de México y símbolo vivo de una fragilidad que no es debilidad, sino vulnerabilidad en su forma más pura. Criatura que habita el umbral entre lo que permanece y lo que está a punto de desaparecer, el ajolote se convierte aquí en metáfora del equilibrio medioambiental: complejo, extraño en su belleza, y sostenido apenas por hilos invisibles.
El gesto de la figura invita a la inocencia, a un estado de apertura y contemplación que contrasta con la urgencia de la crisis ecológica que le rodea. Sus extremidades adoptan una pose de tensión contenida, donde la delicadeza convive con una extraña densidad, evocando ese equilibrio frágil que caracteriza a los ecosistemas cuando aún se sostienen, pero ya sienten el peso de su propia ruptura.
Los motivos que adornan la composición recuperan una iconografía de raíz prehispánica, estableciendo un puente entre la veneración que las culturas originarias de México profesaban a los animales —el ajolote, ligado a Xólotl, dios del rayo y guía de los muertos— y la problemática contemporánea de identidad y pertenencia en un país que aún negocia su relación con esa herencia. Lo prehispánico no aparece como nostalgia, sino como memoria activa: un recordatorio de que existió otra forma de relacionarse con el mundo natural, una en la que el animal sagrado no era recurso sino interlocutor.
La obra habla así en varias lenguas a la vez: la del símbolo antiguo y la de la emergencia ambiental, la de la belleza y la del duelo anticipado, la de la identidad mexicana y la de una pregunta universal sobre lo que elegimos proteger.
Daniel Alarcón Jiménez es diseñador de comunicación gráfica por la UAM-Xochimilco, especialista en diseño interactivo y digital. Ha colaborado en proyectos como Unmask My City del GCCA, Detona en Campus Party, y materiales didácticos para El Poder del Consumidor, Pensionissste y Restore the Earth Foundation. Su práctica creativa abarca la ilustración digital en los ámbitos médico y del tatuaje, así como ilustraciones para el movimiento Laudato Si. Actualmente desarrolla materiales para el Global Catholic Climate Movement y ha incursionado en la ilustración analógica como postura crítica frente al arte generado por inteligencias artificiales, reivindicando el valor y la presencia de la mano humana en la creación artística.
Origen
Técnica: Acrílico negro sobre papel de algodón libre de ácido de 200g; Sombreado y línea recargada
Medidas: 100 x 70 cm montado (2 piezas de 50 x 70 cm c/u)
Precio (IVA incluido): $29,000 MXN ($14,500 por pieza) (PIEZA 1 VENDIDA)
Origen presenta al ajolote como símbolo de profundidad histórica, legado y raíz. Al ser una especie endémica de la Ciudad de México, territorio de la antigua Tenochtitlan, su figura remite a un origen que conecta naturaleza, memoria y cultura. La obra lo plantea como un punto de partida para pensar la identidad mexicana desde una herencia compleja, marcada por la continuidad, la conquista y el mestizaje. Las aves que lo acompañan introducen una idea de vuelo, imaginación y permanencia a través del tiempo. Así, el ajolote aparece como una imagen de transformación y continuidad: una presencia que resguarda la memoria y, al mismo tiempo, proyecta futuro.
César Nández es diseñador, ilustrador y artista visual mexicano. Su trabajo se mueve entre el diseño, la ilustración, el cartel y la pintura, en un cruce donde la síntesis gráfica convive con el trazo expresivo, la potencia simbólica y una mirada profundamente vinculada con la cultura visual mexicana.
A lo largo de más de dos décadas ha desarrollado una práctica que transita con naturalidad entre lo comercial y lo autoral. Su obra parte del dibujo como estructura de pensamiento y del diseño como herramienta para construir imágenes con identidad, carácter y resonancia. En ese territorio ha explorado temas ligados a la memoria, el símbolo, la tradición y las tensiones entre lo popular, lo contemporáneo y lo histórico.
Ha colaborado en proyectos de identidad, empaque e imagen para distintas marcas e instituciones, al tiempo que mantiene una producción artística e ilustrativa con presencia en exposiciones colectivas e individuales. Su lenguaje visual se distingue por la fuerza de la línea, la construcción de atmósferas y una sensibilidad que encuentra en lo mexicano no un adorno, sino una fuente viva de sentido, raíz e imaginación.
Técnica: Impresión digital sobre papel holográfico
Medidas: 30.5 x 30.5 cm
Precio (IVA incluido): $16,240 MXN
Inspirado por el mito de Xólotl, el dios gemelo y deforme de Quetzalcóatl se transformó en este animal para escapar de su destino.
Juan C. Arenas, conocido en el medio como Robotsoda, creció en la frontera entre Estados Unidos y México, por lo que siempre ha vivido abrazando la dualidad cultural con una dieta saludable de luchadores y cine Americano.
Juan es un apasionado director de arte con experiencia en ilustración. Tiene más de 20 años de experiencia en publicidad y desarrollo de marcas trabajando con clientes como Xbox, Valve, Amazon, Adidas y Nike. Actualmente se enfoca en proyectos de animación y en hacerle al artista.
Técnica: Impresión de ilustración digital en papel con textura, plumón acrílico y tinta.
Medidas: 64 x 43 cm
Precio (IVA incluido): $ 13,920 MXN
El ajolote se representa como una forma que fluye entre líneas. Su cuerpo se integra con el entorno, sugiriendo un cambio continuo y sutil, donde evolucionar no implica dejar de ser, sino permanecer en constante adaptación.
Diseñadora dedicada principalmente a la comunicación digital, al desarrollo de proyectos web y multimedia. Apasionada por el diseño, la fotografía, la música y las nuevas tecnologías.
Durante su trayectoria profesional ha desarrollado proyectos para empresas e instituciones entre las que se encuentran Cámara de Diputados, Conaculta, Ford, GM, GNP, Kellogg´s, Levi´s, Mumedi, Palacio de Hierro, Pemex, Peñoles, Pfizer, Pronósticos Deportivos, Renault, Sedesol, Sedatu, UNAM, Unilever, entre otras.
Su trabajo de ilustración se centra en la exploración de la línea como elemento generador de formas, explorando la relación entre lo orgánico y lo gráfico, incorporando patrones y estructuras inspiradas en la lógica de los fractales, donde la repetición y la variación construyen ritmo, profundidad y movimiento.
Es cofundadora de VerticeStudio, un laboratorio creativo que desde 2002 explora distintas disciplinas del diseño, la fotografía y los medios digitales.
Ixhuetzca (‘sonrisa’ en Náhuatl)
Técnica: Organza de seda y encaje
Medidas: 115 x 65 x 72 cm
Precio (IVA incluido) $76,096 MXN
La pieza se concibe como una arquitectura en movimiento: un mini vestido de alta costura que enmarca el cuerpo y una cascada de olanes en capas que construyen ritmo, volumen y ligereza a cada paso. Realizado en organza de seda y encaje, el diseño combina transparencia y estructura con un equilibrio preciso: cada capa está trabajada para flotar y sostenerse a la vez —como una corriente detenida— mientras el panel de textura orgánica aporta profundidad y evidencia la mano detrás de la prenda.
La inspiración nace del ajolote, no como imagen literal, sino como un lenguaje sensorial. Su condición anfibia y su simbolismo de transformación se traducen en transparencias controladas, brillos húmedos sutiles y bordes finos que recuerdan una membrana. Las capas evocan ondas y respiración acuática; el cuello funciona como un gesto ceremonial, contemporáneo y limpio. La prenda es el resultado de un proceso 100% manual, con más de 100 horas de elaboración artesanal, donde el patronaje, la colocación de cada volado y el tratamiento del encaje se convierten en una declaración de la estética de Macario Jiménez: sofisticación sin exceso, artesanía visible y una silueta escultórica que celebra lo mexicano desde la técnica y la modernidad.
Desde su fundación en 1994, Macario Jiménez se ha distinguido por ser una empresa de lujo con personalidad propia, siempre tomando en cuenta que la moda es un cambio continuo. Basados en la exclusividad y la experiencia de compra, Macario Jimenez explora y explota una infinidad de posibilidades dentro del diseño de lujo. La exclusividad es lo que hace a Macario Jimenez algo único.
Formado en el reconocido Instituto Marangoni en Milán, Italia, Macario Jimenez tuvo la oportunidad de trabajar con el diseñador Gianni Lo Giudice donde concibió la moda como algo propio y dejó de ser espectador para convertirse en el ejecutor de esta misma. Reconocido por el impecable diseño y siluetas ultra femeninas, el estilo de la marca puede ser resumido en una sola palabra: AIRE. Dos décadas de cambio constante, innovación y lo más importante reafirmar la estética de la marca, siendo fiel siempre a un diseño impecable y minimalista, ultra femenino. Usar Macario Jiménez es una experiencia que distingue la individualidad y resalta lo mejor de cada quien a través de una creación única, sensual y elegante.
Técnica: Bolsa de piel vacuno con acabado metálico plateado e ilustración aplicada a mano directamente sobre la superficie de la piel.
Medidas: 42 cm de largo x 45 de altura con asa levantada x 12 cms de ancho
Precio (IVA incluido): $15,068 MXN
El ajolote es un símbolo de identidad mexicana que une naturaleza y resiliencia. Asociado a Xólotl y a la transformación, su capacidad de regeneración remite a procesos continuos de renovación, convirtiéndolo en un emblema de permanencia y en un llamado a la preservación de su hábitat y su memoria cultural.
Dos ajolotes se entrelazan formando un infinito, símbolo de regeneración continua y de ciclos ininterrumpidos de vida. Entre ellos, una forma inspirada en el ADN remite al origen, la conexión y la memoria que sostienen la vida. El acabado plateado se manifiesta como un brillo que hace visible lo que necesita ser valorado cuidado, proponiendo una mirada hacia su preservación y una transparencia que revela su permanencia.
Una pieza utilitaria artística donde diseño y arte convergen como expresión cultural. Se propone una visión contemporánea del objeto, en la que la artesanía, la ilustración y el simbolismo convergen para resignificar lo cotidiano como portador de identidad, conciencia ecológica y continuidad cultural.
Isidro Bello, fundador de XIBOP diseño en carteras, ha desarrollado una práctica centrada en integrar la cultura mexicana en piezas únicas de marroquinería con historia. Su trabajo ha estado presente en tiendas de diseño, librerías y museos en México, así como en exposiciones del Museo Mexicano del Diseño (MUMEDI), incluyendo colaboraciones de Snoopy, la Mujer Maravilla y la más reciente muestra inspirada en la Pantera Rosa. Desde esta perspectiva, su obra propone al diseño como un medio vivo donde convergen, el simbolismo, e historia mexicana en artículos de piel.
Los AxoLópez
Técnica: Ilustración técnica mixta: digital / óleo / acrílico
Formato: Instalación mural conformada por múltiples piezas ilustradas y enmarcadas (12 marcos vintage físicos en 3D de diferentes tamaños).
Medidas: 100 x 100 cm
Precio (IVA incluido): $48,720 (obra completa).
Nota: Venta individual: La obra está planteada para su venta exclusivamente como instalación completa y no contempla desmontaje de las piezas que integran el montaje original.
De manera opcional, cualquiera de los personajes podrá producirse bajo pedido en dos modalidades:
Los AxoLópez propone una genealogía imaginaria donde el ajolote es integrado al imaginario familiar, divertido y excéntrico.
Dispuestos como retratos de linaje —marcos ornamentados, fondo tapizado, composición doméstica— los personajes adoptan un apellido común que los acerca al espectador y los sitúa dentro de una memoria compartida.
La obra no busca representar una especie exótica, sino reconocerla como parte de nuestra identidad cultural y familiar. Al otorgarle apellido y lugar en el muro, la pieza desplaza la conservación hacia el territorio del cuidado y la pertenencia.
Más que advertir sobre la pérdida, propone un gesto de inclusión.
Juan Pablo Reverter ha desarrollado su trayectoria entre el diseño, la dirección creativa y la exploración artística, integrando ilustración, objeto y narrativa visual en proyectos que cruzan lo editorial, lo expositivo y lo material. Como Co-fundador de BAMF© y fundador de Empathy, ha impulsado proyectos para marcas internacionales, al tiempo que desarrolla piezas donde conviven humor, memoria y construcción simbólica. Paralelamente, ha participado en proyectos de obra e intervenciones creativas donde convergen objeto, narrativa y exploración material, mientras que la música forma parte de un lenguaje personal que fortalece su mirada compositiva y su sensibilidad creativa.
Axolotseat
Técnica: Mixta, incluyendo fibra de vidrio, herrería, esmalte, vinyl y textil.
Medidas:
Precio (IVA incluido): $11,600 MXN
Proyecto basado en la intervención artística de un elemento en desuso, pero con un grado de valor estético interesante; reciclar un objeto para darle un nuevo valor estético bajo un concepto artístico o de diseño definido. La idea no es solo crear una pieza estéticamente agradable, si no un objeto de uso cotidiano bajo el concepto del ajolote.
Los colores están inspirados en los materiales de interiorismo que encontramos en el Palacio de Bellas Artes de la CDMX, en un estilo retro-art-deco.
Carlos Greene es un director de arte con más de tres décadas de experiencia en el desarrollo de proyectos de diseño visual. Es fundador de CV Greene Studio. Ha realizado proyectos para corporaciones globales, pymes y emprendedores, transformando ideas en experiencias visuales estratégicas que generan valor y fortalecen objetivos comerciales. Entre sus clientes se encuentran marcas de alcance internacional y empresas en crecimiento de diversos sectores, con una distinguida participación en la industria de la música y el entretenimiento, además de proyectos de corte académico, empresarial y cultural.
Su práctica abarca branding, imagen corporativa, diseño de arte, plataformas digitales, diseño de empaques y desarrollo de producto. Su enfoque combina pensamiento conceptual, sensibilidad estética y visión estratégica, orientado a crear soluciones de diseño sólidas, relevantes, contemporáneas y de trascendencia.
Ecos del Sistema. El ajolote aparece aquí no como símbolo lejano, sino como un interlocutor silencioso. Dentro de su figura habita algo más que su propia existencia: un sistema entero que insiste en permanecer.
Xochimilco se asoma como un eco… un rastro de agua, flora y fauna que aún respira. El ajolote se vuelve un estandarte… carga con una problemática que no es natural… sino impuesta… por un sistema que invade, contamina y desplaza… hasta borrar. Lo que aún vive… y lo que poco a poco dejamos morir.
No es un recuerdo… es lo que sigue aquí… por ahora. Y mientras todo alrededor cambia… algo resiste… hasta que un día… ya no quede nada.
Mr. Kone (César Evangelista Bautista, Ciudad de México, 1972) es un artista visual cuya obra se sitúa en un punto de transición entre la gráfica contemporánea y el arte de autor, donde su experiencia en el ámbito comercial se transforma en un lenguaje visual con identidad propia y proyección a largo plazo. A lo largo de más de dos décadas, su trabajo ha transitado por distintos contextos culturales en países como Estados Unidos, Japón, España, Francia, Inglaterra, Canadá, Brasil, Argentina, Colombia, China, Indonesia y Suecia, consolidando una presencia internacional dentro del diseño y la ilustración contemporánea.
Su obra articula influencias de la gráfica mexicana, el anime y la cultura japonesa, dando forma a una estética aparentemente accesible que contiene una carga crítica sobre el entorno y los sistemas contemporáneos. Lejos de limitarse a un solo estilo o medio, su práctica se define por la exploración constante, transitando entre lo digital, la gráfica impresa y la producción material, retomando lenguajes del dibujo, el grabado, el grafiti y la ilustración según lo exige cada pieza.
Actualmente enfocado en su producción autoral, su trabajo se consolida como un cuerpo en evolución, donde cada obra funciona como un objeto de contemplación y permanencia, generando valor tanto por su identidad visual como por su resonancia dentro del coleccionismo contemporáneo.
Técnica: Impresión
Dimensiones: 40 x 50 cm
Precio (IVA incluido): $15,660 MXN
Técnica: Modelado digital, impresión 3D, elaboración de moldes y vaciado en concreto.
Medidas: 20 × 17 × 22.5 cm
Precio (IVA incluido): $27,840 MXN
Esta pieza presenta a un ajolote como figura central, reinterpretado a través de un lenguaje simbólico que entrelaza elementos de la cosmovisión mexicana y japonesa. El personaje adopta una postura inspirada en el maneki neko —tradicional figura japonesa asociada con la atracción de la buena fortuna— pero en lugar de sostener una moneda, porta una mazorca de maíz, símbolo fundamental de la riqueza agrícola, la fertilidad y la identidad cultural de México.
El ajolote porta una máscara que remite tanto a la estética de la lucha libre mexicana como a los patrones visuales de las representaciones prehispánicas, particularmente aquellas vinculadas a las cabezas de serpiente emplumada del Templo Mayor. Esta máscara simboliza la capacidad de transformación, adaptación y ocultamiento, cualidades asociadas al ajolote dentro de la mitología, así como su vínculo con Quetzalcóatl, de quien es considerado su hermano gemelo en ciertos relatos. Las grecas y ornamentos refuerzan ese lazo, evocando una herencia simbólica compartida.
La pieza integra la simbología del ajolote, el maneki neko, la riqueza del maíz y la estética de la lucha libre mexicana y la iconografía prehispánica, incorporando un dispositivo de nebulización ultrasónica que dota a la obra de movimiento y presencia, reforzando la noción de transformación, abundancia y fortuna.
La obra propone un diálogo entre dos tradiciones culturales aparentemente distantes, articulando un imaginario híbrido donde los símbolos de prosperidad, identidad y transformación convergen. A través de esta fusión, se plantea una reflexión sobre el intercambio cultural y la manera en que los mitos pueden resignificarse en contextos contemporáneos, dando lugar a nuevas lecturas sobre la fortuna, la abundancia y la identidad.
Enrique Abe es Licenciado en Diseño y Comunicación Visual por la FAD, UNAM, especializado en Imagen y soportes tridimensionales, con formación complementaria en fotografía. Su trabajo explora la intersección entre tradición, simbolismo y tecnología, creando piezas que fusionan referencias culturales, procesos digitales y materiales físicos para generar experiencias sensoriales y conceptuales únicas.
Técnica: Tinta y acuarela sobre papel.
Medidas: 64 x 84 cm
Precio (IVA incluido): $23,200 MXN
Axólotl es un habitante de los espacios liminales desde el principio: como el gemelo acuático de Quetzalcóatl, el guía al inframundo, y como lo conocemos nosotros: este ser dual, anfibio, que puede habitar y respirar tanto en el agua como en la tierra, y que elige no acabar de crecer nunca, pero que puede regenerarse a sí mismo las veces que sean necesarias.
Como gemelo, también es un espejo, que nos refleja la calidad y salud del ecosistema donde habita, y que en su peculiaridad nos representa también como cultura.
Pam Carrington (Guadalajara, 1986) es una ilustradora y ceramista que hace y dibuja desde que se acuerda, aunque siempre ha agarrado raro el lápiz.
Los libros, los objetos, y el dibujo son todos lugares donde volcar y explorar su imaginario, que suele ser un poco nostálgico, un poco tierno y un poco absurdo.
Técnica: Corte en acrílico
Medidas: 33 x 25 x 15 cm
Precio (IVA incluido): $812 MXN (VENDIDO)
Es una pieza que conecta al ajolote con su hábitat rodeado de flores y plantas a través de un florero, el diseño está elaborado con trazos simples generando una pieza dinámica y divertida.
Es diseñador de la Comunicación Gráfica por la UAM y fundador de la firma Pulpo, firma desde la cual ha desarrollado, durante más de dos décadas, su oficio mediante tipografía, identidad gráfica, el objeto y el espacio. Su camino en el diseño comenzó en el ámbito editorial como diseñador de la revista Matiz Gráfico del Diseño Internacional, una experiencia formativa que posteriormente lo llevó a realizar pasantías en Bélgica y Alemania trabajando en diversos proyectos de comunicación visual, publicaciones e imagen de marca, expandiendo su visión hacia la vinculación entre el arte y el diseño.
Tras su regreso a México, asumió la dirección de arte en distintas empresas trasnacionales antes de establecerse, hace 20 años, como diseñador independiente bajo su propio sello. Su exploración por la tipografía también se manifiesta en Pulpo, su marca de playeras de diseño basado en lettering, distribuida en museos y tiendas especializadas.
Su formación académica incluye estudios de caligrafía en Berlín, una especialidad en Diseño de Nuevas Tecnologías y una maestría en Diseño Tipográfico. Su trabajo ha sido exhibido y galardonado en distintos países de Europa, Asia y América. Actualmente, combina su práctica profesional con la docencia en la Universidad Iberoamericana, dentro de la carrera de Diseño Sensorial y Dirección de Arte.
Técnica: Corte en acetato
Medidas: 20.32 x 15.24 x 2 cm
Precio (IVA incluido): $2,668 MXN
(VENDIDO)
El objetivo fue lograr una imagen con la mínima cantidad de elipses formando un vitral que refleje la belleza lacustre, creando una ventana para apreciar a un ajolote.
Es diseñador de la Comunicación Gráfica por la UAM y fundador de la firma Pulpo, firma desde la cual ha desarrollado, durante más de dos décadas, su oficio mediante tipografía, identidad gráfica, el objeto y el espacio. Su camino en el diseño comenzó en el ámbito editorial como diseñador de la revista Matiz Gráfico del Diseño Internacional, una experiencia formativa que posteriormente lo llevó a realizar pasantías en Bélgica y Alemania trabajando en diversos proyectos de comunicación visual, publicaciones e imagen de marca, expandiendo su visión hacia la vinculación entre el arte y el diseño.
Tras su regreso a México, asumió la dirección de arte en distintas empresas trasnacionales antes de establecerse, hace 20 años, como diseñador independiente bajo su propio sello. Su exploración por la tipografía también se manifiesta en Pulpo, su marca de playeras de diseño basado en lettering, distribuida en museos y tiendas especializadas.
Su formación académica incluye estudios de caligrafía en Berlín, una especialidad en Diseño de Nuevas Tecnologías y una maestría en Diseño Tipográfico. Su trabajo ha sido exhibido y galardonado en distintos países de Europa, Asia y América. Actualmente, combina su práctica profesional con la docencia en la Universidad Iberoamericana, dentro de la carrera de Diseño Sensorial y Dirección de Arte.
Técnica: Escultura epóxica con pintura acrílica.
Medidas: 37 cm de alto x 20 x 20
Precio (IVA incluido): $85,840 MXN
La escultura busca transmitir una sensación de calma, curiosidad y conexión con la naturaleza, celebrando al ajolote como un símbolo de vida, transformación y diversidad. Las formas que lo rodean nacen como si fueran parte de él, creando un pequeño mundo donde la naturaleza, el color y la imaginación conviven.
Letizilla es una diseñadora gráfica e ilustradora mexicana reconocida por su estilo visual full color, caracterizado por composiciones vibrantes e imaginativas. Durante más de una década ha participado en más de 70 campañas y proyectos creativos para marcas nacionales e internacionales, además de desarrollar colecciones de producto en colaboración con CASETiFY y la marca mexicana Nu Nordic.
Participó como diseñadora en “Mexicráneos 2019” con su obra “Colorismo”, exhibida en Paseo de la Reforma en la Ciudad de México. En 2023 presentó su primera escultura, “Pasajera”, exhibida durante un año en Mumedi. En 2025 fue una de las 150 artistas internacionales invitadas a participar en una animación para el proyecto audiovisual “A Film for the Future” de Coldplay.
Azulito
Técnica: Papel enrollado y moldeado a mano (técnica quilling y relieve) sobre escultura de cerámica fría.
Medidas:
Precio (IVA incluido): $10,440 MXN
“Azulito” es una pieza llena de vida e inspirada en el ajolote, la icónica especie endémica de México, hoy en peligro crítico de extinción. Esta obra nace con el propósito de invocar la conciencia y apoyar los esfuerzos para su preservación.
La escultura fusiona la figura del ajolote con la estética de las bebidas de barrio que hoy definen el colorido urbano de México. Su cuerpo evoca el color con el que se representa el agua. Sus branquias, recreadas con la técnica de papel enrollado a mano (quilling art), se transforman en composiciones que recuerdan a las gomitas multicolores y los dulces mexicanos, convirtiéndose en una explosión de color que simboliza nuevas tradiciones y expresiones contemporáneas de alegría.
“Azulito” es una metáfora de la evolución: el ajolote que sobrevive adaptándose, y la cultura mexicana que se reinventa constantemente. Es una pieza que celebra la identidad actual de México, donde lo ancestral se encuentra con lo popular para crear una nueva y poderosa expresión de vida y optimismo.
Colección Serpentina es un estudio mexicano de arte y diseño contemporáneo con sede en la Ciudad de México, dedicado a la reinterpretación del arte popular mexicano a través de una técnica artesanal innovadora basada en el papel. Su propuesta parte de un elemento profundamente arraigado en la cultura festiva del país —la serpentina de colores— para transformarlo en un lenguaje plástico propio que articula identidad, color y textura.
El estudio desarrolla objetos funcionales, piezas escultóricas, luminarias y proyectos de arte objeto que integran estructura formal y exuberancia cromática. El color no es entendido como ornamento, sino como afirmación cultural y herramienta emocional capaz de transformar espacios. Cada pieza es realizada mediante procesos manuales que conservan la huella del trabajo artesanal, resignificando el papel como material estructural, resistente y simbólico.
Su trabajo ha sido presentado en el Museo de Arte Moderno, el Museo de Arte Popular, el MUAC, el Museo Franz Mayer y el MoMA Store en Nueva York, así como en la Milano Design Week y en colaboraciones con instituciones culturales y hotelería de alto nivel. Su modelo de producción integra a mujeres artesanas en esquemas de trabajo flexibles que fortalecen habilidades técnicas y autonomía económica.
Vertebrata / Amphibia – Caudata
Técnica: Plegadura de acero recubierto con laca electrostática.
Medidas:
Precio (IVA incluido): $103,808 MXN
Fragmento y sucesión,
Encuentro y división,
Desdoblamientos ficticios,
Tiempo y dimensión,
Reflejo.
Ismael Rodríguez (Campeche, 1983). Artista transdisciplinario con formación en Arquitectura, docente y fundador del Centro de Diseño del extinto Instituto de la Artesanías Jalisciense. Es director de NEOCRXFT, con exposiciones en México, China, Guatemala, Ecuador y Brasil. Miembro del colectivo No Design/Design 有⽆设计, ha sido acreedor del “Cultural Communication and Contribution Award” del Festival Internacional de Diseño de Beijing, y del “Most Popular Trend Award” de la Semana de Diseño de Suzhou. Es parte de la red del Centro Interamericano de Artesanías y Artes Populares (CIDAP) en Ecuador, y representa a México ante el World Crafts Council. En India, fue reconocido en el 2022 como “Diseñador del año”, dentro de la quinta edición de los International Craft Awards.
Umbral
Técnica: Plástico cromado
Medidas: 25 x 25 x 21 cm
Precio (IVA incluido): $20,880 MXN
Una forma fluida emerge: cuerpo y líquido abstraídos en un solo gesto, en una sola materia.
Las branquias, sustituidas por flores naturales, desplazan la biología hacia lo simbólico. El ajolote deja de ser organismo para convertirse en un territorio donde lo vegetal y lo acuático coexisten.
El material refleja el mundo; las flores lo absorben.
Uno devuelve, el otro transforma.
Lo natural irrumpe en el reflejo.
Lo vivo atraviesa lo permanente.
En esa tensión, la pieza habita.
Mecate Studio es un despacho de arquitectura y diseño fundado en 2013 que entiende el espacio como experiencia sensible. Su trabajo no solo construye formas, sino atmósferas: lugares donde la materia, la luz y el tiempo dialogan para provocar emoción. Desde una mirada contemporánea y profundamente arraigada al contexto, Mecate traduce ideas en espacios que se habitan, se sienten y permanecen. A lo largo de su trayectoria ha sido reconocido con múltiples premios, entre los que destaca el Premio Versailles otorgado por la UNESCO en París. Pieza realizada por Sebastian Monjaras y Fernando Lua.
Técnica: Impresión digital en papel Matt Fibre 200 gsm, enmarcado.
Medidas: 60 x 80 cm
Precio (IVA incluido): $14,500 MXN
El ajolote; guardián de la memoria y de la vida de Xochimilco. Mítico y real, sagrado e indispensable. Hoy es tiempo de regresarle algo de la ayuda que nos ha dado. Esta obra se inspira en eso: valorar y tomar acciones a tiempo para evitar su desaparición.
Director creativo en comunicación y sus diferentes disciplinas, con más de 20 años de experiencia en publicidad para marcas globales. La formación gráfica de Edgar Verne es empírica y autodidacta, de hecho él no se define como ilustrador, prefiere que lo conozcan como alguien que dibuja. Así de simple. Creador de historias gráficas y conceptos de comunicación visual con estilo propio, nos presenta sus personajes e historias, su perspectiva ilustrada del mundo. En esta faceta que ha iniciado desde hace casi seis años ha colaborado en diferentes proyectos destacando: Mitsubishi Motors, Gulf Oil, Fresh Garden, PM Steele, entre otros.
Técnica: Arte vectorial digital e impresión revestida en papel couché
Medidas: 90 x 60 cm
Precio (IVA incluido): $22,040 MXN
Esta obra es un homenaje al ajolote, uno de los animales más especiales y carismáticos de un país lleno de vida y naturaleza maravillosa como lo es México. Nuestro país se distingue, además de por su riqueza natural, por sus colores y texturas, fruto de la convergencia de infinidad de culturas que han unido sus mejores atributos para crear el imaginario mexicano moderno. En ese sentido, la obra es también una celebración de los colores y texturas de México y, como la celebración que es, es alegre y llamativa, permitiendo a los colores triunfar sobre el negro del fondo. Porque México es un país con oscuridad, pero los colores, la alegría y la naturaleza siempre brillan más.
Mario Flores es un ilustrador y locutor nacido y radicado en la Ciudad de México, donde estudió la licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. A lo largo de su vida profesional ha sido director de arte, ilustrador y artista independiente, y locutor de radio y creador de podcasts. En su obra siempre busca celebrar la enorme riqueza visual y cultural de México, y ha tenido la fortuna de que su trabajo esté en todos los rincones de México e incluso el extranjero.
Técnica: Tejido de Jacquard, empuntado y bordado.
Medidas: 67 x 212 cm
Precio (IVA incluido): $7,540 MXN
Cuenta la leyenda azteca que el dios Xólotl, gemelo monstruoso de Quetzalcóatl quiso evitar ser sacrificado, mientras que el resto de los dioses sí lo hicieron arrojándose al fuego para lograr con el sacrificio la creación del cosmos y su subsecuente movimiento. Xolotl al huir y no querer morir fue tomando diversas formas; los otros dioses enviaron al viento a buscarlo. Primero tomó la forma de un guajolote, después se transformó en planta de maguey. Al ser encontrado, se convirtió en planta de maíz. Al ser nuevamente descubierto se lanzó al agua para tomar la forma finalmente de un ajolote.
Este lienzo textil cuenta la historia del ajolote, inspirada en simbología étnica mexicana y reinterpretada en un tejido que puede ser usado como una prenda textil o como textil decorativo.
Cristina Orozco Cuevas es diseñadora textil egresada de la Universidad Iberoamericana con 19 años de experiencia creando textiles y varios premios internacionales en su portafolio. Se especializa en el diseño de telas tejidas en jacquard, dobby y estampado, con más de 5,000 diseños originales abarcando mercados que van desde la hotelería y la moda hasta residencial y decoración. Su trabajo ha sido exhibido en México, Europa y las Américas.
Su estudio funciona como un laboratorio textil construido en torno a tres ejes centrales: experimentación, exploración y evolución. El valor que lo define es nunca repetirse — adaptando su estilo a las necesidades de cada proyecto sin perder la impronta personal que caracteriza su uso del color y la textura.
Técnica: Lienzo pintado a mano alzada con lápiz graso, acrílico y acuarela.
Medidas: 60 x 100 cm
Precio (IVA incluido): $52,200 MXN
Esta obra está inspirada en la importancia ecológica y cultural del ajolote como parte indispensable de un entorno que se sostiene frágil, resistiendo por sobrevivir. Junto con el ajolote peligran tradiciones y formas de vida que se entrelazan en relevancia para el sustento y la identidad de los pueblos y barrios originarios de la Ciudad de México.
Para Mitzin Cuéllar, el arte es una necesidad anímica, un lenguaje de sensaciones, colores y texturas. Sus piezas son conversaciones visuales en las que expresa la profundidad de un proceso de autoconocimiento, sus dolores y reflexiones constantes.
Cada una de sus obras es una respuesta a las preguntas retóricas: ¿cómo se sitúa en el entorno? ¿cómo sobrevive y vive en su condición de mujer resiliente y de niña sobreviviente a crecer en un círculo de violencia?
Para expresarse, juega con lo onírico y el surrealismo como herramientas para romper los límites de la realidad y crear espacios metafóricos imposibles pero probables, que la llevan a trascender su propia historia. Con las imágenes creadas invita al espectador a identificarse, descubriendo que los sentimientos humanos son universales en el idioma del arte. Su inspiración se nutre de las emociones y la vida cotidiana, que le resulta única y mágica en cada detalle. Su pasión es observar, observarse y crear.
Yollotzin
Técnica: Escultura textil en gamuza (ante) con incrustaciones de piedra semipreciosa.
Medidas: 24 x 24 x 63 cm
Precio (IVA incluido): $34,800 MXN
Esta pieza ha sido confeccionada mediante el modelado de ante, integrando elementos de la lapidaria tradicional mexicana. La elección de la obsidiana arcoíris permite un juego lumínico variable en la mirada, complementado por la energía cromática de la amatista y la turmalina, transformando al anfibio en un tótem de diseño contemporáneo.
El colectivo Yume irrumpe en la escena contemporánea como un fascinante laboratorio de experimentación táctil y visual. Su propuesta estética se fundamenta en la profunda exploración de la técnica mixta, desafiando audazmente los límites tradicionales del arte. A través de un lúdico juego de texturas y luces, Yume entrelaza lo orgánico con lo industrial y lo digital.
En esta obra, materiales diversos como cuero, maderas y piedras naturales convergen en composiciones de complejidad estructural. La pieza refleja una meticulosa búsqueda por integrar elementos disímiles dentro de un diálogo armónico, donde cada componente aporta una carga sensorial inigualable. Trascendiendo la mera contemplación pasiva, la creación invita al espectador a una inmersión absoluta, consolidando al colectivo como referente en la lúdica de las texturas.
Técnica: Técnica mixta sobre MDF, pintura acrílica, colores de cera y pasteles al óleo.
Medidas:
Precio (IVA incluido): $26,680 MXN
Xólotl no quería desaparecer y decidió transformarse en ajolote. Así, esta pieza nace en un imaginario alterno en el que después de haberse escondido en aquel ajolote, decidió convertirse en este Dodoajolote.
Aquí, lo que huye no se pierde, se transforma. Como mis Dodos, que nacen de lo que duele y lo convierten en algo que me acompaña y me recuerdan que mientras vayamos con el corazón por delante… TODOVASTARBIEN.
Germán Genel, mejor conocido como Yesterman, es un artista multidisciplinario mexicano cuyo trabajo abarca la ilustración, la música y la dirección creativa. Su universo visual se distingue por un estilo lúdico y espontáneo que orbita en torno a los Dodos, personajes propios que ha desarrollado como una forma de catarsis gráfica: seres nacidos de la necesidad de transformar pensamientos y emociones negativas en símbolos de esperanza y equilibrio emocional.
Los Dodos, dibujados con líneas sueltas, trazos imperfectos y sonrisas permanentes, habitan muros, lienzos, superficies digitales o cualquier espacio disponible, llevando consigo el mensaje reiterado de que TODOVASTARBIEN (todo junto, como un mantra). En su gestualidad casi infantil, estos personajes se convierten en un recordatorio personal necesario, una especie de resistencia emocional en un mundo sobreestimulado y siempre en busca de la “perfección”.
Yesterman concibe el acto de dibujar como un regreso a la libertad creativa de la infancia, imperfecta pero honesta, sin filtros ni pretensiones. A través de sus Dodos, construye una narrativa visual que invita a reconectar con la intuición y el juego, al mismo tiempo que genera un lenguaje emocional accesible, entrañable y profundamente humano.
Técnica: Impresión 3D y acabado a mano en poliéster
Medidas:
Precio (IVA incluido): $46,400 MXN
El ajolote se convierte en símbolo de comunidad y colaboración. La pieza propone la idea de que la supervivencia no es individual, sino colectiva. Desde una mirada cercana al diseño industrial, la obra equilibra forma, función y emoción. Aquí el movimiento compartido representa cooperación, empatía y la importancia de avanzar juntos frente a los desafíos ambientales y sociales.
Hiroshi Ikenaga ha cultivado una sólida carrera como diseñador industrial con más de dos décadas de experiencia. Graduado de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) en Diseño Industrial, su compromiso se centra en el diseño orientado al usuario, la innovación y la sostenibilidad.
Durante su trayectoria profesional, Hiroshi ha dirigido proyectos innovadores a nivel internacional, especialmente en entornos urbanos y con un especial interés en los juegos infantiles. En su enfoque creativo, se esfuerza por despertar la curiosidad y la alegría en las personas que interactúan con sus diseños. Cada creación suya está impregnada de un espíritu lúdico y una perspectiva fresca que invita a la exploración y la sonrisa. Es un firme creyente en la importancia de la responsabilidad ambiental en el diseño.
Su reconocimiento internacional incluye el Red Dot Award, el iF Design Award y el European Product Design Award con Neko, el estudio que co-fundó y lideró por 20 años. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo y publicado en medios incluyendo Forbes, Architectural Digest y Obras. Trabaja con clientes en todo el mundo como consultor independiente en diseño industrial y juegos infantiles.
Técnica: Mixta / papel, enmarcado
Medidas: 135 x 132 cm (30 piezas de 25 x 20 cm c/u)
Precio (IVA incluido): $62,640 MXN
Identidad, regeneración y fragilidad: estas ideas simbolizan la resiliencia y la capacidad de sanación, tanto individual como colectiva. El lenguaje visual de la obra se construye a través de la fragmentación, que representa la fragilidad del ajolote y su intento de unirse como acto de regeneración, y de formas geométricas y manchas orgánicas que parecen estar en proceso de fundirse en una sola idea.
Artista gráfico cuyos trazos no obedecen técnica o teoría alguna, tendiendo al desdibujo: el proceso que lo lleva a explorar y enriquecer sus ideas para no quedarse con la primera toma. La gráfica le permite generar un puente de comunicación sin condicionarse por ningún medio, modificando los límites de la creación artística e invitando al espectador a profundizar más allá de la imagen preconcebida. En su arte busca la satisfacción de comunicar algo que siempre quiso decir y nunca encontró las palabras adecuadas.
Nacido en la Ciudad de México en 1975, y después de vivir en diferentes ciudades de México, regresó a la capital, donde cursó talleres de dibujo, pintura y grabado en la Academia de San Carlos, UNAM. En 2002 fundó estudio jamaica, un espacio multidisciplinario donde el diseño, el arte y el contenido convergen en un mismo punto: crear. El estudio ha participado en conferencias, talleres, exposiciones y publicaciones.
Kazoku (“familia” en japonés)
Técnica: Ilustración digital impresa en lienzo
Medidas:
Precio (IVA incluido): $9,280 MXN (VENDIDO)
Esta pieza nace de algo que me obsesiona: cómo podemos estar viviendo muchas etapas de la vida al mismo tiempo. A través de un grupo de ajolotes, quise capturar esos momentos que nos definen sin que nos demos cuenta: jugar, enamorarnos, aprender, tener miedo y atrevernos a empezar algo nuevo.
Hay algunos que están en pareja, otros explorando, otros siendo guiados. Cada uno está en su propio momento, pero todos conviven en el mismo espacio, como pasa dentro de nosotros.
El ajolote, que puede regenerarse y vivir en constante transformación, se volvió la forma perfecta de hablar de eso: de cómo cambiamos, nos rompemos y nos volvemos a construir una y otra vez.
Al final, esta pieza es eso: un recordatorio de que no somos una sola versión de nosotros mismos, sino muchas coexistiendo al mismo tiempo, todas en proceso de convertirse en algo nuevo.
Alex Carrillo es un ilustrador, artista visual, director de animación, autor best-seller y conferencista TEDx mexicano. Su trabajo ha llegado a países alrededor del mundo y ha sido parte de múltiples exposiciones en el The Walt Disney Family Museum en San Francisco, California.
Ha colaborado con marcas reconocidas a nivel global como Disney, WWE, Paramount, Nickelodeon, Cinépolis, HBO Max, Sony Pictures, KFC, Adobe, Wacom, Timberland, Crayola, Penguin Random House, Canelo Álvarez, entre muchas otras. También ha dirigido proyectos animados para el Festival Internacional de Cine de Morelia y Adult Swim Latinoamérica.
En 2022, Carrillo fue nombrado uno de los 100 mexicanos más creativos del mundo por Forbes México, junto a reconocidos cineastas como Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu. En 2025, recibió el Premio Municipal de la Juventud en la categoría de Cultura por parte del Instituto Municipal de la Juventud de Saltillo, Coahuila.
AXOLOTEOTL
Técnica: Grafito + tinta + color digital, impreso en papel artístico Hahnemühle con pigmentos de carbón (giclée).
Medidas:
Precio (IVA incluido): $5,684 (VENDIDO)
El axolotl es una criatura milenaria de los antiguos lagos del Valle de México, presente en localidades ribereñas como Xochimilco, Tláhuac, Iztapalapa y Míxquic. Esta pieza es, por decirlo así, una estela glífica moderna pero hecha al modo antiguo, en náhuatl, rindiendo homenaje al «axolotl sagrado» o AXOLOTEOTL, criatura conjetural y sobrenatural que abre portales entre mundos subacuáticos ancestrales y nuestra realidad capitalina contemporánea.
Gabriel Martínez Meave es diseñador, ilustrador y tipógrafo mexicano. Realiza proyectos artísticos, de diseño de marca, editoriales y corporativos desde su estudio —Meave Stvdivm— en la Ciudad de México. Ha ilustrado libros de autores como Juan Villoro, Gabriel García Márquez y Margo Glantz, de quien ilustró el libro “La guerra de los hermanos” en edición bilingüe náhuatl/español. Diseñó el logotipo de Mexicana de Aviación, el del Tequila Azul Centenario y otras importantes firmas y empresas nacionales. Sus tipografías son distribuidas a nivel mundial por Adobe y Sudtipos. Ha impartido cursos y conferencias en México, Canadá, Estados Unidos, Suecia, España, Centro y Sudamérica. Trabaja con diversas técnicas digitales y tradicionales, de los pinceles a los pixeles.
Técnica: Técnica mixta
Medidas: 100 x 100 cm
Precio (IVA incluido): $11,600 MXN
Inspirada en la naturaleza cíclica de los rituales reproductivos.
Bernardo Fernández (Ciudad de México; 1972), también conocido como Bef, es un gran escritor, historietista y diseñador gráfico mexicano.
Destacado en las tres disciplinas, se le conoce sobre todo como autor de la novela policiaca Tiempo de alacranes, ganadora de los premios Una vuelta de tuerca en México y Memorial Silverio Cañadas en la Semana Negra de Gijón.
Es uno de los más reconocidos autores de novela gráfica así como escritores de ciencia ficción en México; en los años 90 fue coeditor del fanzine Sub, de aparición esporádica, y director de arte de la revista Complot Internacional.
Estudió la preparatoria en el Centro Universitario México y se graduó como diseñador gráfico en la Universidad Iberoamericana, en donde imparte clases de ilustración.
En 1990 empezó su carrera como dibujante profesional en El Universal, y a partir de ese año ha desarrollado todo tipo de proyectos editoriales, cómics e ilustraciones. Ha publicado más de quince libros, recopilaciones de historietas breves y también novelas gráficas.
Es papá de María y Sofía.
AjoLATE Corazón
Técnica: Mosaico sobre madera
Medidas: 95 x 95 cm
Precio (IVA incluido): $29,000 MXN
Utiliza la técnica de mosaico sobre madera para construir una imagen vibrante y fragmentada del ajolote. Cada pieza del mosaico funciona como célula, como fragmento de identidad que, al unirse, construye una figura mayor. El corazón del título no sólo es anatómico, sino emocional. La obra celebra el ajolote como símbolo afectivo de la ciudad. Es una pieza que habla de amor, pertenencia y orgullo cultural a través del color y la composición geométrica.
Francisco Javier Reyes Eguía (PACO REYES ART) es originario de Monterrey y es Lic. en Artes Visuales, Diseñador Gráfico, ilustrador, director creativo y artista visual. Ha trabajado para clientes relacionados con la publicidad, la música, la iniciativa privada, el mercado juvenil, la cultura y el arte desde hace más de 30 años, realizando proyectos locales, nacionales e internacionales.
Su trabajo se conoce en diferentes ciudades y países incluyendo Buenos Aires, Madrid, Bélgica, Colombia y San Diego. Actualmente trabaja como productor en su propia firma y marca. Es maestro en la universidad del CEDIM y difusor de la cultura local y nacional como organizador y participante realizando diferentes exposiciones personales y colectivas, conferencias y congresos del medio gráfico y plástico. Ha sido asesor para diferentes agencias y universidades para la formación de programas funcionales e innovadores en diplomados, talleres y maestrías.
Técnica: Ilustración digital. Soporte: Impresión Giclee sobre papel de fibras naturales 200 gr
Dimensiones: 40 x 100 cm
Precio (IVA incluido): $17,400 MXN (VENDIDO)
Axolotito presenta la figura de un axolotl reinterpretado desde un enfoque simbólico. La composición se construye a partir de una línea detallada en monocromía azul, rodeada de elementos orgánicos que funcionan como un entorno que enmarca su presencia. La pieza retoma influencias del tatuaje japonés y el dibujo ornamental, donde el flujo, el ritmo y la repetición generan una sensación de continuidad dentro de la imagen. Concepto: No es la primera vez que represento un ajolote. Es un animal que siempre me ha llamado la atención y al que muchas personas le tienen un cariño especial. Es un recordatorio de algo que está desapareciendo, ya que actualmente se encuentra en peligro crítico de extinción. Axolotito busca imaginarlo como un espíritu que aún habita el agua. La pieza habla de permanencia. De algo que resiste, que sigue existiendo aunque su realidad sea cada vez más frágil.
Omar Brambila es diseñador, ilustrador y director de arte. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado proyectos que van desde el desarrollo de marcas y campañas publicitarias hasta la ilustración artística y la exploración personal, destacando por una narrativa visual que nace de experiencias, recuerdos y emociones propias. Influenciado por el tatuaje japonés y americano, el grafiti y el anime, estos lenguajes se mezclan en su proceso para construir un universo visual donde lo tradicional y lo contemporáneo conviven, y donde lo limpio y lo crudo se encuentran.
Le interesa tanto el proceso como el resultado. La línea, el trazo, el error y la textura son parte esencial de su trabajo. En un contexto donde todo tiende a ser inmediato y perfecto, su obra busca mantener viva la intención, el gesto y lo humano detrás de cada pieza — provocar sensaciones, abrir lecturas y dejar espacio para que cada persona encuentre su propio significado. Actualmente explora nuevas formas de llevar su arte a distintos formatos, incluyendo proyectos editoriales, campañas conceptuales y streetwear.
Técnica: Ilustración digital impresa en Giclée sobre papel de fibras naturales Hahnemühle Hemp de 290 grs.
Medidas: 37 × 52 cm
Precio (IVA incluido): $14,500 MXN
Inspirada en la leyenda mexica del Dios Xólotl y el Quinto Sol. Ésta obra retoma las transformaciones del hermano gemelo de Quetzalcóatl, que al intentar escapar de su destino, adoptó distintas formas, se transformó en maíz, en maguey y finalmente se escondió bajo el agua de donde tomó su nombre atl-agua, Xolotl- monstruo: Ajolote, monstruo de agua. A través de estos símbolos, la pieza reflexiona sobre la resiliencia y la capacidad de transformación como estrategias de permanencia. Más allá de la supervivencia física, la obra explora los procesos de cambio que permiten conservar la esencia cuando las circunstancias obligan a evolucionar. El ajolote aparece como símbolo de adaptación, memoria y continuidad: Aquello que cambia de forma para seguir existiendo.
Marion Zett es una artista visual, diseñadora e ilustradora mexicana. Su trabajo explora la intersección entre narrativa, simbolismo e identidad, integrando elementos de la cultura mexicana, la naturaleza y el imaginario personal. Es licenciada en Comunicación con especialidad en audiovisual y ha complementado su formación con estudios de ilustración en la Academia de San Carlos y diseño en EDINBA A lo largo de su trayectoria ha trabajado en diseño gráfico, diseño industrial, ilustración, animación 2D y desarrollo de gráficos para televisión. Ha desarrollado identidad visual, portadas musicales, mercancía oficial y piezas promocionales para artistas y agrupaciones musicales, combinando estrategias de comunicación con una búsqueda constante de expresión artística. Es también cofundadora de Ethnika, un estudio de diseño mexicano especializado en diseño de producto y paralelamente, ha desarrollado una trayectoria como cantante que ha enriquecido su visión artística y su aproximación a los procesos creativos.
Fugas del orden
Técnica: Ilustración digital, impresión giclée. Tintas pigmentos sobre papel de algodón
Medidas: 41 x 59 cm (enmarcado)
Precio (IVA incluido): $14,500 MXN
La obra explora la imposibilidad de la quietud: todo se desplaza, se transforma y se reconfigura constantemente. Evoca la naturaleza cambiante de aquello que habitamos y de aquello que somos. Entre lo orgánico y lo imposible, surge una reflexión sobre la atracción inevitable hacia el cambio y sobre la esencia móvil de la existencia. Entre geometrías inestables y ritmos ondulantes, el ajolote emerge como testigo del movimiento continuo.
Denisse Flores es artista visual e ilustradora mexicana. Su trabajo se centra en la creación de imágenes que dialogan con la percepción, la naturaleza y los sistemas gráficos.
A través de la ilustración digital, el collage y la experimentación material, desarrolla piezas que combinan la geometría, texturas y formas orgánicas y lo onírico, explorando la manera en que el ojo y la mente construyen significado a partir de la imagen y sus ausencias. Su práctica se nutre tanto del diseño como de la gráfica contemporánea, buscando generar experiencias visuales.
Endémico
Técnica: Tinta china, acuarela y estilógrafo sobre papel de algodón
Medidas: 40 x 51 cm
Precio (IVA incluido): $5,220 MXN
“Endémico” no es solo una categoría biológica; en esta pieza, se convierte en una declaración de identidad, arraigo y resistencia. El término define a aquello que pertenece de manera exclusiva y absoluta a un territorio, y la obra explora esa unión indisoluble entre el ser y su entorno originario a través de la figura del ajolote (Ambystoma mexicanum).
En la composición, el espécimen no se limita a habitar el espacio acuático, sino que emerge de él. Existe una correspondencia íntima entre las texturas orgánicas y oscuras de su cuerpo y la delicada geometría de la flora que lo rodea, resuelta mediante un meticuloso entramado de líneas y patrones repetitivos. Esta dualidad técnica —la densidad de la mancha de tinta frente a la fragilidad del trazo fino— simboliza la delgada línea entre la permanencia y la desaparición.
Sofía Soto es una artista visual, diseñadora e ilustradora multidisciplinaria con una sólida trayectoria académica y de producción independiente. Es licenciada en Diseño y Comunicación Visual por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (FAD-UNAM) y cuenta con estudios en Comunicación Social por la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM-Xochimilco). Su profundo interés por la estructura formal de las publicaciones la llevó a especializarse en Diseño Editorial en la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (EDINBA) y, posteriormente, consolidó su perfil de investigación y producción al concluir sus estudios de maestría en la Unidad de Posgrados de la UNAM.
A la par de su formación institucional, ha consolidado una práctica sólida e intuitiva en el ámbito de la ilustración. Su enfoque técnico y estético combina un riguroso lenguaje visual con una exploración autodidacta de diversas técnicas y medios tradicionales. Esta dualidad le permite transitar con fluidez entre la precisión del diseño y la soltura orgánica del dibujo.
Su producción artística está profundamente vinculada a su entorno y a su ritmo de vida cotidiano. Ciclista urbana desde hace varios años y lectora voraz, Sofía concibe la creación visual como un proceso dinámico de constante aprendizaje y observación, donde la literatura, el dinamismo de la ciudad y la curiosidad por el entorno se entrelazan para dar vida a piezas con un alto valor conceptual y una meticulosa ejecución técnica.